SETOR TERCIÁRIO

BRUNO STORNI E RENATO MARETTI

CURADORIA DE GABI BRESOLA

ESPAÇO 2 | 15 DE SETEMBRO A 20 DE OUTUBRO DE 2016

Apropriando-se de materiais usados em trabalho por terceirizados, a exposição aborda movimentos da história da arte representando em seu conteúdo o empobrecimento de uma sociedade guiada pelo acúmulo de posse e organizada em setores estabelecidos em todas as ordens sociais, reconfiguradas no Brasil dos últimos anos. Bruno Storni e Renato Maretti são formados em Artes Plásticas pela Fundação Armando Alvares Penteado, com atuação em São Paulo/SP.

APRESENTAÇÃO

Panos, Renato Maretti, 2015. Tinta óleo sobre tela, 38x30cm, 22x25cm e 19x26cm. Fatura Têxtil, Bruno Storni, 2013. Cobertor sobre tela, 165x100cm. Objetos e materiais cotidianos de limpeza e higiene, em ‘Setor Terciário’, aparecem como elementos estéticos, suportes e como o próprio trabalho.
Um livro totalmente amarelo, para ser visto/lido com luvas de limpeza amarelas em um desvio para o amarelo, citando Cildo Meirelles. Um simulacro de espelho plástico e copos hiperrealistas se apresentam como reais, ao nos aproximarmos, os objetos se revelam como ilusões.
O espectador não se vê no espelho de tela branca. Uma escultura em forma de pirâmide é feita de gelo falso, que assim como a divisão de classes no real só se propõe a horizontalidade, mas permanece como promessa. Uma paisagem fria, uma natureza morta com textura e camadas de cores com pano de limpeza e cobertor de mendigo.
Outras duas paisagens, uma de palavras, de sacos de lixos pretos e azuis, tríade de colagem das paisagens do que é passado. O homem branco perde a identidade com papéis higiênicos que cobrem seu rosto e sua cara. Durante a
exposição dos trabalhos, os artistas se colocam como performers, se colocam na mesma condição dos materiais, como agentes responsáveis em realizar o serviços que ninguém que fazer.
Todos os trabalhos tocam o cotidiano das pessoas comuns e principalmente as que são do ‘setor terciário’. Como na arte povera a fatura está ligada a matéria pobre e descartável, indicando as relações entre os materiais de limpeza e o pensamento artístico sobre esses materiais no meio real.
O gesto dos artistas em transportar e organizar esses objetos destes modos coloca em discussão outros modos de pensar a pintura e a instalação. No caso de ‘Panos’ e ‘Desvio para o amarelo’, de pensar também o ready made, desprezando as noções comuns à arte e à pintura histórica como estilo ou manufatura do objeto de arte e se refere primariamente à ideia e sua utilidade.
‘Setor terciário’ permite pensar na fatura e no conteúdo, pois provoca movimentos e categorias da história da arte de maneira contemporânea, considerando os materiais domésticos que representam sua crítica ao empobrecimento de uma sociedade guiada pelo acúmulo de posse e organizada em setores estabelecidos em todas as ordens sociais.

Gabi Bresola | Curadora

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OBRA

DIEGO PASSOS E JULIANO VENTURA

ESPAÇO FERNANDO BECK | 09 DE JUNHO A 14 DE JULHO DE 2016

A exposição articula proposições artísticas que abordam elementos de diferentes espaços vivenciados nas cidades por meio de experimentos gráficos, inscrições, deslocamentos e reorganização de fragmentos urbanos dispersos. Diego Passos é mestre em Artes Visuais pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Juliano Ventura é graduado no Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul e mestre em Artes Visuais pela Universidade do Estado de Santa Catarina. Ambos são coeditores da edicoes agua para cavalos.

APRESENTAÇÃO

Exposição Obra, de Diego Passos e Juliano Ventura. Obra articula recortes da produção de dois artistas que têm colaborado sistematicamente em projetos e ações, abordando elementos e emergências de diferentes espaços vivenciados nas cidades.
Destaca-se, nessa aproximação, a persistência de procedimentos com a caminhada, a coleta, a escrita, a fotografia e a fotocópia, desdobrados a partir de situações específicas em experimentos gráficos, inscrições, deslocamentos e reorganização de fragmentos urbanos dispersos.
A obra é pensada como extensão conceitual e material do gesto. Obra não como dado bruto, mas um movimento de instauração de modos de agir voltado ao mundo vivido e exposto a atravessamentos, contaminações, embates.

Diego Passos e Juliano Ventura

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O NÔMADE E O SEDENTÁRIO

DIANE SBARDELOTTO

ESPAÇO 2 | 23 DE JUNHO A 28 DE JULHO DE 2016

As obras tratam de investigações como objeto-roupa-pintura-escultura e fotoperformance. O trabalho é permeado por questões do disforme, repetição, maleabilidade, pensadas a partir dos conceitos de nomadismo e sedentarismo. Subjetividades que possuem referência na experiência laboral em uma fábrica têxtil, cuja observação da árdua rotina transparece na pintura sob insinuações de graxa e sangue. Diane Sbardelotto é formada em Artes Visuais pela Universidade Comunitária da Região de Chapecó e Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Natural de Tigrinhos/ SC, vive e produz em Porto Alegre/RS.

APRESENTAÇÃO

Exposição O nômade e o sedentário, de Diane Sbardelotto.

De repente se deu conta do descompasso entre o desejo de se determinar o espaço das árvores e o curso próprio da liberdade dessas. A circunscrição de metal esperava um corpo não tão esguio, ora, havia a expectativa de que se tornasse bojuda, farta em seu preenchimento. Mas nem por isso. O resultado fora o inicial esgarçamento do metal. Ele poderia ser arrebentado e a liberdade diria basta à idealidade roubadora da expansão. O resultado, porém, é a fusão da carne da árvore a engolir a ferragem, a deixá-la existir. O tronco se mescla à imaginação restritiva, a existência arbórea se torna o vestido do esqueleto que passa a envolver. A planta se faz roupa anômala do corpo que lhe fora imposto.

Cesar Kiraly

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QUASE PAISAGEM

GILSON RODRIGUES

ESPAÇO FERNANDO BECK | 01 DE SETEMBRO A 13 DE OUTUBRO DE 2016

O artista apresenta um conjunto de trabalhos em que explora questões relacionadas a história da pintura e ao universo doméstico, a partir de questionamentos sobre gêneros como paisagem e natureza morta, transpassando-os. Realiza diversos tipos de operações no plano pictórico que culminam com a criação de um espaço fictício. Gilson Rodrigues é formado em Pintura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais e em Artes Visuais pela Universidade Estadual de Minas Gerais, vive e trabalha em Belo Horizonte/MG.

APRESENTAÇÃO

Exposição Quase Paisagem, Gilson Rodrigues. O artista apresenta um trabalho de gabinete de colecionador de estampas no qual a natureza se insere insidiosa, como uma força destrutiva que não pode ser evitada. Uma arte de ruínas que nos adverte sobre o supremo artifício de seu fazer. Massas sólidas e chapadas de cor densa e opaca e empastes grumosos de cores vibrantes alternam entre delicadas campinas, sobre relva viçosa, nos céus de azuis líquidos.
Há uma ausência, porém, que se adivinha além das visões que o artista nos oferece e que, talvez, seja o verdadeiro assunto destas pinturas. Nas imagens que perambulam estão os campos e os rios, os céus e as árvores, as mudas, os vasos e as flores, um casal de proprietários sem rosto, as xícaras e os talheres … Mas onde estão os armários, os móveis, onde está a casa?
A palavra nostalgia, estado de tristeza causado pela distância do lar, foi criada pelo médico suíço J.J. Harder, em 1678. A nostalgia é um sentimento de perda e deslocamento, é a saudade de um lugar que não mais existe ou que nunca existiu. A imagem da nostalgia, afirma Svetlana Boym, constitui-se como uma superposição de duas imagens: o solo natal e o estrangeiro, o passado e o presente, o sonho e a vida cotidiana.
Ao intentar conjugar essas imagens em uma, a moldura explode e os fragmentos se espalham. Gilson Rodrigues nos oferece, nos seus trabalhos, o instante da dispersão.

Maria Angélica Melendi

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PARTITURAS

MARCELINO PEIXOTO E LUIS ARNALDO

ESPAÇO FERNANDO BECK | 20 DE OUTUBRO A 24 DE NOVEMBRO DE 2016

Fusão entre desenho e ação, executada a quatro mãos ao longo de 12 sessões de 2 a 3 horas cada, a série acompanha um vídeo-performance preparado para ouvir o ato de desenhar. Marcelino Peixoto é formado em Pintura e mestre em Artes Visuais. Professor de Desenho do curso de Artes Plásticas da Escola Guignard e integrante do coletivo Xepa. Luis Arnaldo é graduado em Arquitetura e Urbanismo pela universidade Federal de Minas Gerais e em Artes Plásticas pela Universidade Estadual de Minas Gerais. Ambos atuam em Belo Horizonte/MG.

APRESENTAÇÃO

Desenho de Tempo #2, 2h00’, 2015. Desenho, lápis grafite sobre papel. 100x150cm. Fonte: Luis Arnaldo e Marcelino Peixoto. Desenhos são fatos documentais. Diante deles somos convocados a refazer os atos do desenhista, em gestos e intensidades, tornando presente, então, o corpo, o tempo e a matéria necessários à sua construção. Trata-se de uma espécie de carta com andamento, que por localizar as ações no tempo constitui-se de um espaço.
Os suportes dos desenhos que compõem a exposição podem, por exemplo, apresentar as sujidades das mãos e braços impregnados de pó de grafite que sobre eles se arrastaram; ou as linhas que servem a delimitação das manchas tonais; ou mesmo a mancha monotonal que, solta no branco do papel, sem seus pares, nada representa. Em todos estes delitos o que vemos são restos. Algo que se mostra responsável por evidenciar um evento passado.
Parece inevitável então pensarmos em cada desenho como um Acontecimento: um encadeamento de ações, uma única ação repentina, ou mesmo uma ação que se arrasta indeterminadamente. Nele, cada novo ato resulta em um novo resíduo que cumpre o papel de rearranjar o espaço, conferindo-lhe especificidade de lugar.
Cada um dos desenhos que compõem a série Desenho de tempo foi executado a quatro mãos numa sessão de trabalho, com durações pré-determinadas. A demarcação temporal de cada sessão e sua súbita interrupção são responsáveis por deixá-los inacabados. O que, se por um lado, aponta para um esfacelamento da representação, por outro permite a visualização de tudo aquilo que serviu à construção da imagem, contribuindo à restituição do Acontecimento.
Em Pequenas audições, restituir os atos, reencená-los, é um modo de tornar presente aquilo que é latente em um desenho. É, num primeiro passo e no mínimo, contemplar a importância do Acontecimento para a construção de um lugar, e de sua condição de existência para o Desenho.

Marcelino Peixoto e Luis Arnaldo.

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JOVENS ARTISTAS: ARTE CONTEMPORÂNEA EM SANTA CATARINA

DOS DESVIOS E DO DESVER

FRAN FAVERO, GABI BRESOLA, GIOVANA WERUTSKY, JOANA AMARANTE, JOÃO LAZARO, JONATHAN HOLDORF, LETÍCIA RECH, MANUELA VALLS, MARIA LUIZA SUMIENSKI, MARIANA BERTA, PATRÍCIA GALELLI, PRISCILA COSTA OLIVEIRA, RACHEL LIMA, RAFAEL NUNES, RICARDO SOMMER, RODRIGO BORN E SEBASTIÃO G. BRANCO, ANA MONARI E DIANA CHIODELLI, JAN M., ISADORA STÄHELIN, ANA GALLAS, LEANDRO SERPA, SARAH URIARTEE SUSANO CORREIA.

CURADORIA DE ALEXANDRE SEQUEIRA, GABRIELA CAETANO D’AMOREIRA, LUCILA HORN E RAQUEL STOLF.

ESPAÇO FERNANDO BECK | 12 DE ABRIL A 11 DE MAIO DE 2018

A exposição, resultado de projeto contemplado pelo prêmio Elisabete Anderle 2017, reúne obras de 26 artistas de até 35 anos que atuam no cenário da arte contemporânea no Estado, com o objetivo de ampliar a inserção de artistas jovens no sistema e nos espaços culturais catarinenses, nacionais e internacionais. Instalação virtual, impressão gráfica, fotografia, fotomontagem, colagem, objeto artístico, pintura em óleo sobre tela, aquarela, nanquim, gravura, performance/instalação, vídeo, livro de artista e bordado integram a mostra, que também passa pelas cidades de Joinville, Lages e Chapecó.

* Título completo da obra de Joana Amarante: 1.Não dormi, 2.Sonhei com dragões, tormentas, voos rasantes e dragões, 3.Sonhei com tanques de guerra, bares e mensagens cifradas, 4.Sonhei com viagens, atrasos e dias retirados do calendário, 5.Sonhei comigo, 6.Sonhei que me perdia de novo no meio de mulheres monstros, 7.Voltei a sonhar com dragões, 2017. Fotografia, 33x33cm cada.

** Título completo da obra de Patrícia Galelli: Um livro é uma carne falsa I – um livro é uma carne falsa, Um livro é uma carne falsa II – motor de desenhar escrita, Um livro é uma carne falsa III – leitor de vitrine, 2018. Nanquim sobre papel vegetal e liquid paper, 29,7x21cm.

APRESENTAÇÃO

Exposição Jovens Artistas: Arte Contemporânea em Santa Catarina | dos desvios e do desver. Exposição Jovens Artistas: Arte Contemporânea em Santa Catarina | dos desvios e do desver. Pois minha imaginação não tem estrada.
E eu não gosto mesmo da estrada. Gosto do desvio e do desver.
Manoel de Barros A exposição apresenta trabalhos que atravessam contextos heterogêneos, que estremecem questões e flexões. O que resta, o que rastreia e o que incide, o que se apaga e se acende, quase ao mesmo tempo. O que (se) fisga e pulsa, das cidades, dos corpos, das falas e entre-falas, dos trajetos, dos jardins, das opacidades, dos intervalos, das tentativas, dos vultos e dos mapas. Entre desver e desvios, estremece alguma procura, alguma escuta e inflexão.
Dos desvios e do desver é uma exposição que permite um encontro de muitos temas e reflexões. Do jogo político atual, das questões de gênero, da sempre atual relação entre texto e imagem, dos assuntos da cidade, de outras flexões e psicologias existentes em nossa sociedade. De tudo aquilo que é atual e vivo. Como uma possibilidade de o público perceber suas próprias inquietações e de estar em um espaço para se (re)pensar o momento atual que vivemos. Seja através dos desvios que a imagem oferece, ou do desver de tudo aquilo que já é visto.
Uma das buscas constantes de todo(a) artista está em tatear em torno de uma intenção de (re)significar o mundo. Cabe o desafio de vislumbrar e articular uma gama de gestos que, quando reunidos, apresentam entre si diferenças capazes de nos libertar do senso comum da representação a qual, por vezes, estamos submetidos. Desse modo, assim que a imagem se revela e se confirma como ela própria, nos fornece de maneira irrecusável a feição e os contornos de um universo de sentidos.
No contexto dos desvios e do desver é concebível a arte como posicionamento político, questionadora de valores pré-estabelecidos. Dimensão assumida não na concepção de uma “arte engajada” como a dos anos 1960, mas como uma atitude poética necessária no momento recente. Postura que, na jovem arte contemporânea catarinense constitui-se como resistência aos poderes e padrões instituídos e/ou nos processos de encontro com o outro e consigo mesmo.

Alexandre Sequeira, Gabriela Caetano D’Amoreira, Lucila Horn e Raquel Stolf | Curadoria

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