MEIO

BRUNA RIBEIRO • DANIELA VICENTINI • ELISA V. QUEIROZ • LORENA GALERI • SHAYDA CAZAUBON

ESPAÇO FERNANDO BECK | 20 DE SETEMBRO A 04 DE NOVEMBRO DE 2022

APRESENTAÇÃO

Quando você sentir que o céu está ficando muito baixo, é só empurrá-lo e respirar.
Ailton Krenak Exposição Meio, Coletiva Exposição Meio, Coletiva

Em meio ao fim do mundo, durante a pandemia de covid-19, cinco mulheres artistas têm dividido o espaço virtual para dialogarem sobre suas pesquisas em arte (e vida). Em um grupo de WhatsApp intitulado “meio”, ao longo dos dois anos de isolamento social, trocamos afetos, cuidados, palavras e referências. São pesquisas localizadas sempre no meio: entre corpo e planta, entre terra e céu, entre real e imaginado, entre morte e vida.

Segundo o dicionário, o conceito de meio é amplo: a metade de uma unidade; ponto médio no espaço ou tempo; modo para se chegar a um fim; mais ou menos; nem muito e nem pouco. Com base nesses conceitos, é o contrário de algo completo ou inteiro. Meio é sinônimo de canal, centro, conduto, mediante, bens, recursos, ambiente, possibilidade, metade. A noção de meio está articulada à força que nos move, sendo o nosso local de partida e também de chegada. Nele está tudo aquilo que sobra, que escapa aos olhos, que está à margem na sociedade contemporânea. Habitamos o meio como lugar de morada, insistimos e resistimos para dar vida a memórias, corpos e terrenos baldios.

A exposição para a Fundação Cultural BADESC é feita de múltiplas linguagens, fotografias impressas e projetadas, desenhos, escritos, instalações e ações colaborativas, no desejo de criar — como nos ensina Krenak — novas paisagens, espaços de respiro, estratégias de sobrevivência pela arte e pelo fazer artístico.

Paisagens reais e imaginárias, íntimas, (des)construídas, são percebidas aqui como possibilidades de empoderamento, pertencimento e sensibilidade. Outros meios de habitar e perceber a si e ao mundo.

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O FILHO DA SOJA

AUDRIAN CASSANELLI

ESPAÇO FERNANDO BECK | 26 DE JULHO A 09 DE SETEMBRO DE 2022

FILHO DA SOJA

Exposição O filho da Soja, de Audrian Cassanelli Desde sempre estive rodeado pelas monoculturas. Da janela de meu quarto conseguia observar os campos de soja nos arredores da cidade. Vez ou outra ainda na infância visitei tais campos. E o que me chamou atenção, não foi a imponência de um manto verde de soja, plantadas lado a lado em uma simetria perfeita. O que me deixou interessado mesmo foi poder observar plantas outras, que como meu pai mesmo dizia: “Eram sem serventia para o agronegócio”. Plantas que nasciam entre os pés de soja que meu pai cuidava com tanto afinco.
Esses inços, cada qual ao seu jeito, insistiam em nascer na terra lavada por Roundup, teimavam em crescer onde ninguém queria que eles nascessem. Rebrotavam mesmo depois de todas as investidas de meu pai em exterminá-las. Iam contra toda a lógica de uma sociedade estruturada em torno da ideia de produtividade no campo, isso de nascer, crescer, dar lucro e morrer.
Eu nunca fui soja, era o filho não planejado, criado por mãe solo, certamente eu era uma peste. Tanto isto é fato, que meu pai agricultor, desses que plantam soja desde que se entende por gente, assim que me identificou como inço, ainda criança, me arrancou de sua vida com o mesmo vigor que ele insistia em eliminar todas as ervas daninhas da lavoura.
Em uma das visitas de final de semana, meu pai disse: “Filho meu não vai ser maricas! Não tenho mais filho!”
Ouvi a porta bater atrás de mim. Esta porta nunca mais se abriu.
Cresci em meio as monoculturas, de grãos e principalmente de mentes. Tentei me encaixar, mas tal qual os inços nas lavouras, minha presença destoava daquele lugar. Hoje entendo que meu lugar é aqui, em meio a soja. Pode parecer contraditório, mas ao invés de fugir, eu escolhi resistir daqui do chão de onde nasci. Rodeado pela soja e pelos coronéis financiados pelo agronegócio, em um dos estados mais fascistas do país. Sigo sendo professor e procurando outros inços, outras bixas do mato, toda a sorte de gentes-pestes e filhos expulsos.
Se eu nasci filho da soja, hoje me tornei filho das ervas-daninhas.

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PRÓLOGO SOBRE EXPERIÊNCIA COLETIVA

GIBA DUARTE

ESPAÇO FERNANDO BECK | 31 DE MAIO A 15 DE JULHODE 2022

PRÓLOGO SOBRE EXPERIÊNCIAS COLETIVAS

Prologo sobre experiência Coletiva, de Giba Duarte

contém trabalhos autorais e colaborativos, trazendo para superfície temas que atravessaram/atravessam estas vivências no coletivo.

Partindo de uma cosmovisão LGBTQIA+ como proposta, estes temas proporcionam um diálogo múltiplo sobre ativismo, ancestralidade, precariedade, lixo, margens, vivência, hiv, redução de danos, etárismo,  minorias, inclusão, troca de saberes, redes afetivas, performatividade possíveis, acesso e saúde.

Uma instalação com caráter de organismo diverso,  abordando a ressignificação do resíduo/descarte/consumo e memória afetiva, gerando reflexões sobre o ciclo de transformar “lixo e traumas” em possibilidade, ocupar espaços e ampliar conhecimentos.

Assim como a instalação propõe, apropria-se do mecanismo deste ciclo de ressignificação e troca para reinventar novas estruturas de nós mesmos, no sentido de repensarmos decolonialmente o enraizamento em nossas vidas de preconceito, racismo (reparação histórica), consumo e outros. E desta forma fazer novos arranjos de estar e agir diante desta perspectiva para o mundo.

Texto por Giba y Iam Campigotto

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DILEÇÃO DIREÇÃO (OU AFETOS TRANSPOSTOS)

JAN M. O.

CURADORIA DE JULIANA CRISPE

ESPAÇO FERNANDO BECK | 08 DE ABRIL A 20 DE MAIO DE 2022

APRESENTAÇÃO

Exposição Dileção Direção (ou afetos Transpostos), de Jan M.O. Exposição Dileção Direção (ou afetos Transpostos), de Jan M.O.

A exposição Dileção-Direção (ou Afetos transpostos) de Jan M.O. propõe pensar relações entre lembrança e acontecimento que partem do tempo do vivido para ganharem novas dimensões na Arte. Memórias e Afecções pessoais ou de outras pessoas são forças motriz para a produção do artista, que se dão em obras de linguagens múltiplas, entre gravuras, dese-nhos, instalações e objetos. A memória aqui está não só como relato, mas como ficção, que deslocada pro-jeta-se para possíveis contágios dos espectadores, nas relações entre memória do artista e a das susci-tadas e provocadas no público. Morte, perda, renasci-mento, lembrança-esquecimento, reinvenção; são dobras que operam nesta exposição.

As palavras Dileção = afeição e estima consciente, e direção = ato ou efeito de dirigir ou apontar, intitulam esta exposição como os caminhos possíveis e trans-portados de vivências e sentimentos desdobrados no tempo presente.

Como em Palimpsestos, que em sua origem, dá-se através de pergaminho ou papiro cujo texto inicial é eliminado para permitir a reutilização para composi-ção de outros textos, criando assim fantasmas tem-porais que se contaminam; as obras de Jan realizam esse processo de raspagens e acúmulos, formando pelas lembranças, camadas possíveis nas relações temporais produzidas pelos acontecimentos.

Diante desses acontecimentos, que pode ser pensado conceitualmente pela via do filósofo francês Gilles Deleuze as obras são como vapor que sai dos estados das coisas, não se confundindo com elas, mas se transportando por outros modos. O acontecimento não é da ordem do tempo classificável, o tempo cujos instantes se sucedem, mas da ordem do devir, o qual pertence ao tempo da imanência.

Perante estes movimentos dos tempos que se sobre-põem, no que se instala nesse entretempo, o que Jan faz é coexistir o tempo para além da definição ordiná-ria que temos dele, prolongando em novos modos de ser e o reinventando em seu processo criativo.

O que o senso comum pensa sobre o tempo e a me-mória efetivasse em um segmento linear, de um su-jeito que no presente rememora o passado e deseja algo para o futuro. Essa temporalidade linear em que esses três movimentos (passado-presente-futuro) são aparentemente descontínuos e estáticos entre eles é também o que Deleuze propõe abalar a partir das leituras que faz do também filósofo francês Henri Bergson. Deleuze como Bergson compreende o tempo como não linear, ao invés de uma linha de tempo, tem-se um emaranhado de tempo que se cruzam, se fissuram, criam novas camadas do vivido, um labirinto de múltiplos caminhos; tempos que se perfuram e se retomam como outro no agora. Um sempre outro…

Juliana Crispe | Curadora

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DIA DA MARMOTA

LUCIANA KNABBEN

ESPAÇO FERNANDO BECK | 5 DE ABRIL A 18 DE MAIO DE 2012

O título da exposição faz referência ao filme Feitiço do tempo, onde o personagem acorda sempre no mesmo dia e é obrigado a vivenciar tudo novamente. É nesse tempo cíclico que a artista encontra um novo olhar para trazer à tona sutilezas e fragilidades humanas em situações pictóricas. Tecidos e fitas transparentes sobrepostos são utilizados por Luciana Knabben para compor as “pinturas” da exposição Dia da Marmota, onde a artista usa campos de cor, subvertendo o suporte clássico dos quadros e aplicando a obra diretamente ao branco das paredes do espaço da exposição. Nascida em Blumenau, Luciana Knabben vive e trabalha em Balneário Camboriú. Doutoranda em Teoria e História da Arte, na Universidade do Estado de Santa Catarina. Mestre em Teoria e História da Arte, na Universidade do Estado de Santa Catarina (2015). Pós-graduada em Linguagens Visuais Contemporâneas, na Universidade do Estado de Santa Catarina, Florianópolis/ SC (2003). Formada em Bacharelado em Pintura e Gravura na Universidade do Estado de Santa Catarina, Florianópolis/SC (2006). Formada em Arquitetura e Urbanismo na Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis/SC (2001). É artista visual, curadora e professora.

APRESENTAÇÃO

Hoje sem amanhã nem ontem: eis o dia da marmota! Prisioneira do mesmo lugar, a travessia do inverno é variável. Um esquilo vidente anunciará quanto tempo por aqui ou lá.

Ao meio dia, ela visita lojas de artigos carnavalescos no Rio de Janeiro, traz pedaços de lá para cá. Movimenta-os com delicadeza e agilidade, amarrando fitas e sobrepondo tecidos ao investigar situações pictóricas com precisão entre alfinetes, agulhas e recortes.

Fim da tarde, ele descansa na parede e ela espera. Luciana inventa, com paciência, o destino do trabalho, desvia o olhar para o cotidiano e, incorpora a parede do espaço expositivo. Há uma instabilidade nas pinturas que se seguram entre nós e dependem do branco da parede, mas esta aparente precaridade é rastro de velocidade, urgência de vida, antes que anoiteça. Presente! Alguém sonhou ou ninguém despertou.

Boa Noite, Dia da Marmota!

Letícia Cardoso

A exposição reverberou na edição e publicação de catálogo, disponível ao clicar na imagem acima.

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MAR DE DENTRO

LELA MARTORANO

ESPAÇO FERNANDO BECK | 24 DE MAIO A 22 DE JANEIRO DE 2012

Composta por imagens fotográficas e por vídeo-objetos, a exposição trata da relação entre memória e fotografia, lugar e público, tempo e espaços, passado e futuro. Na mostra, a lembrança do mar é o fio que conduz a construção das obras, partindo da sobreposição ou projeção de imagens coletadas de arquivos familiares. Assim, as experiências da memória afetiva atribuem à matéria um novo significado. A exposição Mar de Dentro fez parte do projeto Olhos D’Água, patrocinado pelo Fundo Estadual de Incentivo à Cultura.

À DERIVA

“A objetiva é um instrumento como o lápis ou o pincel; a fotografia é um procedimento como o desenho e a gravura, porque o que faz o artista é o sentimento e não o procedimento.”
Figuier, La Photographie au Salon de 1859.

Uma fatia de tempo é encontrada por Lela Martorano nos arquivos fotográficos de sua família. A artista descobre, no olhar do pai, imagens que captaram a luz de um instante. Na memória, algumas cenas na praia lembram os élans de uma temporada. E era através do olhar, ainda que distante, que seu pai participava das cenas. Olavo Vieira fotografava em slides numa época em que poucos encaravam o universo fotográfico. Longe das facilidades da tecnologia digital, a fotografia analógica exigia dedicação; era preciso confiança para apertar o botão de disparo, uma vez que o filme tinha suas poses contadas. Hoje a relação com a fotografia foi transformada pela comodidade do “delete”. A memória digital tornou-se um hábito que muitas vezes anula a própria vivência, refém de um gesto viciado. Observa Vilém Flusser que muitas pessoas não sabem mais olhar a não ser através do aparelho 1. Diante da capacidade sedutora de captar o instante sem pensar na composição da imagem, faz-se necessário enxergar as armadilhas da câmera digital no uso do cotidiano. Flusser adverte que “o aparelho propõe um jogo estruturalmente complexo, mas funcionalmente simples. É fácil aprender suas regras, difícil é jogá-lo bem.” 2 Saber fotografar consiste em evitar o gesto automático e impaciente do impulso amador. Lela Martorano utiliza a tecnologia digital com um pensamento analógico. Consciente dos riscos da linguagem, se apropria dos slides do pai e elabora um jogo de imagens compondo uma nova fotografia.

No processo, projeta os slides marcados pelo tempo sobre muros desgastados e antigos cartões postais estabelecendo uma nova imagem a partir dessa fusão. A exposição Mar de Dentro apresenta algumas obras criadas em uma residência feita no Museu de Arte Moderna da ilha de Chiloé (Chile, 2011). Lela Martorano resgata a memória da cidade e interfere com sua memória pessoal, procedimento que já havia utilizado na exposição Deslumbramientos na cidade de Granada (Espanha, 2009). “As fotos transformam o passado no objeto de um olhar afetuoso” 3, observa Susan Sontag. A intimidade de um momento em família é somado ao afeto com a cidade. Assim, a projeção do tempo incide sobre o espaço. Sontag ainda percebe que “por meio de fotos, cada família constrói uma crônica visual de si mesma – um conjunto portátil de imagens que dá testemunho da sua coesão”. As fotografias que escolhe no entanto, não são retratos senão cenas descontraídas que revelam a espontaneidade do momento. A presença do mar reforça a intensidade da imagem. Para Gaston Bachelard, a água é um elemento transitório, corre sempre, cai sempre; “anônima sabe todos os segredos. A mesma lembrança sai de todas as fontes.” Há profundidade em cada gota, basta lembrar a densidade do aplastamiento de las gotas, de Julio Cortazar. Em Castro Chiloé) existe o mar interior que deu o título da exposição. Parece então que esse interior das águas traz a sensação de um tempo vivido. Na dimensão nostálgica de uma gota, as imagens carregam lembranças passageiras.

No caso dos vídeo-objetos também apresentados nesta exposição, um conjunto de imagens fixas é iluminado por uma única imagem em movimento. O que se move é o mar sobre as crianças que outrora brincavam na praia. O reflexo da luz na água possibilita a percepção do movimento. O vídeo funciona como uma imagem de fundo que banha a cena estática; uma película que envolve a paisagem fotográfica. A claridade da água permite a travessia do olhar. Assim a memória da infância torna-se ainda mais distante, como se tivesse um filtro entre o olhar e a fotografia. Em Mar de Dentro, Lela Martorano trata água feito luz e vice-versa. Sejam projetadas ou no vídeo, a fluidez e a transparência das imagens interferem nas fotografias com suaves vibrações; captam o tempo, efêmero, entre a luminosidade das águas e as paisagens de luz. A palavra fotografia deriva do grego: φωτογραφία a partir de φως (fos) + ραφή (grafí), ou seja, escritura de luz. Lela Martorano desenha na luz as transparências do tempo. Christine Buci-Glucksmann nota que o efêmero parece surgir em todas as diferenças, brilhos, reflexos e cintilações do visível, como o lado escondido de uma luz imanente 4. Assim, o efêmero se desenvolve entre a presença e a ausência.

Desta maneira, a escolha do pôster lambe-lambe para apresentar as fotografias demarca também o caráter efêmero. O termo lambe-lambe, além de referir-se à pequena caixa preta usada pelos fotógrafos no início do século XX, é também um pôster de papel colado diretamente em muros e postes de rua, usado em geral para fins publicitários. Ao optar por esse suporte, a artista desloca a estética urbana para dentro do espaço expositivo. As fotografias se desfazem devido à fragilidade do papel empregado. Dentro da galeria, o papel é protegido das intempéries, mas não deixa de apresentar seu aspecto quebradiço, desaparecendo em um tempo mais lento. Em outros momentos, porém, a artista também leva o trabalho às ruas, confundindo-o entre os cartazes publicitários. Existe um constante movimento de deslocamentos, que transforma cada etapa do processo criativo. Um trabalho de pós-produção em que a artista se apropria de uma imagem já produzida para realizar outra. A foto do arquivo aparece no muro, migra para outra fotografia e volta para outro muro. Os desvios da cena e deslocamentos de suporte estabelecem um incessante fluxo de memórias. Nesse mar de dentro, as águas evocam imagens longínquas de um tempo suspenso. Percebe Heráclito, “é morte, para as almas, o tornar-se água.” Nas imagens de Lela Martorano, as lembranças são resgatadas nas sutilezas de um olhar afetuoso e se desfazem lentamente à deriva de um tempo reencontrado.

Lucila Vilela

[1] Cfr. FLUSSER, Vilém. Filosofi a da caixa preta. Rio de Janeiro: Relume Dumará, 2002, p. 54
[2] Ibid.
[3] SONTAG, Susan. Sobre fotografi a. São Paulo: Companhia das Letras, 2004, p.86
[4] BUCI-GLUCKSMANN, Christine. Estética de lo efímero. Madrid: Arena Libros, 2006, p. 31
[5] BACHELARD, Gaston. A Água e os Sonhos. São Paulo: Martins Fontes, 2002, p.59

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