NOME AOS BOIS

LUCIANO BOLETTI

CURADORIA DE FERNANDO BOPPRÉ

ESPAÇO FERNANDO BECK | DE 22 DE JANEIRO A 20 DE FEVEREIRO DE 2015

A mostra reúne objetos, desenhos, fotografias e pinturas produzidas desde a década de 1990. Em comum, a resistência ao corpo humano e animal. Apesar de não dar títulos aos trabalhos, metaforicamente, o conjunto em exposição foi um esforço em se dar Nome aos bois. Artista plástico e restaurador radicado em Florianópolis, Luciano Boletti nasceu no Paraná e se formou em Educação Artística, com habilitação em Artes Plásticas pela Universidade Estadual de Londrina (PR).

APRESENTAÇÃO

Sem título (detalhe), 2008. Grafite, crayon, acrílica sobre tela. Um corpo.
É a origem do mundo. Ao menos, o humano mundo. É a partir dele que se apreende e se participa da existência.
Sendo objetivo – e, portanto, raso – a existência é o período entre o surgir e o desaparcer de um corpo.
“A vida é um pisca-pisca”, conforme Emilia, a do Sítio do Picapau Amarelo.
Um corpo é também a origem desta exposição. Qual corpo? O do próprio artista. Ou seja, não “um” corpo, mas “o” corpo. No singular. Mais do que pele, nervos, músculos, órgãos e ossos, ao pronunciar “corpo” se está dizendo memória, afeto. Está-se imerso, portanto, na linguagem.

* * *

O colapso.
O corpo, por vezes, sofre um colapso. Com menor frequência – porque a falência a todos aguarda – um corpo pode já vir ao mundo colapsado.
No caso do corpo-origem desta exposição, a espinha dorsal, a coluna, não cumpria com suas funções. Não conseguia garantir a verticalidade do tronco. O problema crônico persistiu por mais de uma década, no período da infância e da adolescência.
Ela (a coluna), ele (o corpo do artista), tiveram que ser atados, externamente, a uma haste metálica.
A amarração desse corpo a essa haste era feita por meio de cintas de couro. Com isso, surgiu a experiência prolongada (e forçada) entre haste, cintas e corpo.

* * *

Corpo de imagens.
Se essa é a história inicial desta exposição (algo como um mito fundador), não quer dizer que ela seja prerrogativa. Ela ajuda a explicar, a contextualizar. Donde vem o corpo que se transforma em boi, vaca.
Promete um caminho.
Mas se não soubermos nos perder, não será possível o encontro com o “para-além”, que é o valor maior dos trabalhos e da presença de Luciano Boletti.
O “para-além” é força de espírito aplicada ao corpo, é a precisão de quem sai de um estado e chega a outro. Ainda mais forte, mais vivo. É isso que se vê e sente nos desenhos, pinturas, fotografias, vídeos e objetos.
Se, inicialmente, observa-se a recorrência (a repetição quase
obsessiva) de elementos figurativos que sugerem algo como
vértebras e estruturas ósseas, mais a frente, no meio do caminho, havia uma vaca (havia o acaso). Ou um boi, vai saber (isso também foi o acaso que decidiu). E ele mudou, definitivamente, o trabalho do artista. Ou melhor, o artista deixou-se mudar pelo caminho do meio.

* * *

Do humano para o animal.
A passagem do eu para o outro. Um outro que é o extremo, é a alteridade radical do animal.
Desse movimento feito de curiosidade e desapego, de coragem e calmaria, surgiram trabalhos, por vezes, quase explosivos. A tinta a escorrer e a se espalhar, como resto de uma operação cheia de energias que se dirige para as fronteiras do quadro.
Para além. Como algo que não cabe só ali. Embora se trate de uma explosão controlada, ainda assim há deslocamento de ar, queima. Afinal, para aquele que é de água, o fogo e o vento são elementos para além de si.
Sorte, sorte. Que temos aqui este corpo.
E assim dá-se o nome aos bois.
Amém.

Fernando Boppré | Curador

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HABITAR

JOÃO AIRES

ESPAÇO 2 | 27 E OUTUBRO A 24 DE NOVEMBRO DE 2016

O artista explora lugares de intimidade e de estar no mundo. Em uma das séries, solicita a diversas pessoas uma descrição oral pormenorizada de seus aposentos e materializa a representação desses depoimentos, transpassando técnicas de registro etnográfico e de retrato falado. O processo, pensado enquanto etapa exploratória de uma produção maior ou futura, constitui por si só uma obra instigante sobre a condição humana e o modo de vida contemporâneo. Em contraponto, outra série de pinturas remete a um universo onírico instaurado fortemente pela sua própria experiência em compartilhar por longo tempo de colégio interno um quarto com oitenta pessoas. João Aires é formado em Artes Plásticas e Intermédia pela Escola Superior Artística do Porto e Mestre em Artes Visuais pela Universidade Federal da Bahia. Especializou-se em Arte Pública e Site Specific. Natural de Portugal, vive e trabalha em Florianópolis/SC.

APRESENTAÇÃO

Exposição Habitar, de João Aires.

Os apartamentos não são mais habitações criadas para os homens, mas sim máquinas de morar destinadas a guardar coisas: cada edifício é um armário, cada sala é uma gaveta.

Jean Paul Sartre

Habitar o tempo, as estradas, a cidade, habitar o que construo como artista é um exercício constante de compreensão do mundo, um modo de traduzir minhas experiências e inquietações, já que toda construção tem por meta o habitar. Meu processo criativo procura desenvolver trabalhos que suscitem a ligação entre espaço urbano e o imaginário o espaço de intimidade e o espaço público.
Para esta exposição, busquei explorar os lugares de intimidade das pessoas e como eles se apresentam no mundo. A complexidade de sua materialização está diretamente ligada ao modo de vida na contemporaneidade, considerando que estamos imersos em políticas que não privilegiam a qualidade de espaços de convívio e tampouco o íntimo. O excesso na minha pintura surge da falta, da proximidade geográfica e da distância da construção que serve ao habitar humano, às relações e ao diálogo. Minha experiência em viver com 80 pessoas no mesmo quarto durante 5 anos me leva a criar estes corredores de camas e criar estas narrativas mais ou menos poéticas. O primeiro trabalho desta série chama-se “habitáculos”, desenhos feitos a partir da descrição de quartos, retratos falados. Nas pinturas apresentadas, o subconsciente age num espaço sem fronteiras aparentes: camas navegam em rios e na densidade onírica. João Aires
Florianópolis, agosto de 2015

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PAISAGEM PLURAL

ANA MÄHLER • ALEXANDRA ECKERT • ANGELA ZAFFARI • BEATRIZ DAGNESE • BEATRIZ HARGER • BIANCA SANTINI • FÁBIO ANDRÉ RHEINHEIMER • FERNANDO LINDOTE • FLÁVIO MORSCH • GUSTAVO RIGON • HELENA D’ÁVILA • MARLENE KOZICZ • RICARDO GIULIANI • ROSALI PLENTZ • SILVIA RODRIGUES • UMBELINA BARRETO • VERA REICHERT • VERLU MACKE • WALMOR CORRÊA • ZETTI NEUHAUS

CURADORIA DE ANA ZAVADIL

ESPAÇO FERNANDO BECK | 10 DE MARÇO A 20 DE ABRIL DE 2016

A categoria paisagem, em seu sentido mais amplo, interliga as obras, oportunizando que a poética de cada artista transite da representação mais icônica até a sua dimensão mais simbólica. A paisagem assume significados diversos por meio de subjetividades, metáforas e narrativas no enleio curatorial. A proposta surge da conversa com Ana Zavadil durante sua atuação como curadora assistente na 10ª Bienal do Mercosul, partindo da intensão de trazer à Fundação um panorama de artistas gaúchos contemporâneos, tendo como contraponto dois artistas especialmente convidados: Walmor Corrêa, artista catarinense que firma sua carreira no Rio Grande do Sul e Fernando Lindote, artista gaúcho que estabelece sua produção na Ilha de Santa Catarina.

APRESENTAÇÃO

Exposição Paisagem Plural.

A paisagem sempre teve seu lugar na história da arte. Até o século XIX ela era apenas o pano de fundo para pinturas de cenas religiosas e mitológicas ou de retratos. Do século XIX em diante ela passa a desempenhar o papel principal, evoluindo para a categoria de pintura de gênero.

Na contemporaneidade e nesta exposição a paisagem reinventa-se a partir da natureza, da cultura e da estética.
Em Paisagem Plural, a paisagem é usada como foco conceitual das obras, em que a representação poética de cada artista vai desde a natureza em si mesma até a sua dimensão simbólica. A paisagem assume outros significados por meio de subjetividades, metáforas e narrativas, em que a intenção, as tramas e os encontros dão origem aos trabalhos que serão levados à visibilidade pública.

A escolha das obras para a exposição teve como objetivo buscar aquelas que caracterizassem ou descrevessem o conceito de paisagem, deixando, no entanto, um limite poroso para que se pudesse expandir o conceito. As diferentes linguagens que percorrem o assunto vão desde a instalação, a pintura, a fotografia, o desenho e a escultura e/ou o objeto dentre outras modalidades. Não necessariamente vamos identificar uma paisagem em seu limite reconhecível, pois ele pode estar em consonância com outros modos de entendê-la. Ela pode estar representada por meios que intentam significar, matas, céus, florestas encantadas, ou mesmo nas suas cores e luzes; nas paisagens urbanas ou em abordagens singulares, ficcionais ou fantásticas. E mesmo elas sendo de estilos diferentes no contexto da exposiçao ampliam o seu potencial de significado.

A partir dos textos de Anne Cauquelin e Nelson Brissac Peixoto a exposição Paisagem Plural tomou forma, pois a paisagem é vista sob diferentes aspectos, ou seja, a paisagem real em justaposição à imaginária, a paisagem urbana em diálogo com a rural. A paisagem confrontada e reinventada coloca como objetivo discutir o conceito expandido de paisagem, abordado por diferentes artistas a partir de suas investidas particulares.

A paisagem urbana é composta pela sobreposição de elementos: são muros, prédios, casas, às vezes pixados ou corroídos pela umidade e pelo tempo, que se acumulam e justapõem criando o caos, a convergência ou a divergência do olhar. As informações publicitárias com cores intensas feitas de placas e outdoors, luzes por toda parte inquietam os sentidos. Os carros e as pessoas, em um ir e vir constante compõem um espaço cheio de cor e movimento. A paisagem urbana segundo Peixoto é:

“Campo de intersecção de pintura e fotografia, cinema e vídeo. Entre todas as imagens e a arquitetura. Horizonte saturado de inscrições, depósito em que se acumulam vestígios arqueológicos, antigos monumentos, traços de memória e o imaginário criado lá, pela arte contemporânea. Esse cruzamento entre diferentes espaços e tempos, entre diversos suportes e tipos de imagem, é que constitui a paisagem das cidades.” (PEIXOTO, 1996, p.10)

O campo é a calma, o horizonte que se estende até encontrar o céu e a terra, ou o verde da vegetação, ou mesmo o mar, no silêncio povoado de imaginação.

A justaposição dessas diferenças ou a hibridização destas imagens, ou mesmo a apropriação de objetos que compõem esses universos imbricam-se nas mais variadas e imprevisíveis vestes, criando trabalhos de grande valor artístico, pois cada artista interpreta e representa a sua paisagem. A paisagem rural para Cauquelin é:

“O campo oferece tudo o que a paisagem subtrai – a calma, a abundância, o fresco e, bem supremo, o ócio para meditar, longe dos falsos valores. Como um duplo invertido, o campo oferece o negativo da cidade, que, não obstante, toma dele emprestado alguns traços sem os quais não poderia passar: o que seriam, pois, as colunas de mármore que adornam as casas senão a imagem das florestas? E por que querer ter a visão do campo longínquo senão por ser lá que se situa a verdade?” (CAUQUELIN, 2007, p.62)

Exposição Paisagem Plural.

E para nós? Que paisagens são essas do nosso mundo contemporâneo?

Todas as informações registradas no subconsciente de cada artista acaba gerando imagens que, ao serem transportadas para a sua arte dão um novo sentido à paisagem. Isso significa dizer que vamos encontrar a paisagem de cada um, seja ela inspirada na cidade ou no campo, impregnada de informações ou que mantenham a calma e beleza, o lúdico, ou mesmo as suas cores e as suas luzes.

A tradição e a prática acadêmica e mesmo as vanguardas históricas do início do século passado em relação à paisagem são ultrapassadas pela arte contemporânea, pois na busca de uma nova estética e rumos conceituais, o gênero confirma a sua presença nas poéticas de agora ao citar ou explorar esse conceito e ressignificá-lo em novos contextos ou em novos suportes.

Os artistas convidados para esta exposição se ocuparam em desenvolver suas poéticas em suportes diferentes e originais e a curadoria procurou inseri-los em um contexto onde a paisagem emerge de forma real, imaginária ou simbólica, em uma dinâmica transversal que traga ao observador a paisagem como um lugar sensível, ligada muitas vezes ao afeto ou a memória.

A paisagem que ora se apresenta descritiva, ora metafórica, pode ser também emblemática e simbólica através das obras, pois elas reunidas criam possibilidades de leituras intercambiáveis, provocadas pela disposição e pelo grau de complexidade de cada uma. A chave para essa leitura está no percurso escolhido por cada observador e no modo como colocará a sua imaginação a uma disposição aberta da sensibilidade.

REFERÊNCIAS
CAUQUELIN, Anne. A Invenção da Paisagem. São Paulo: Martins Fontes, 2007.
PEIXOTO, Nelson Brissac. Paisagens Urbanas. São Paulo: Ed Marca D’Água, 1996.

Ana Zavadil | Curadora

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CORPOS E PARTES

ANA NOROGRANDO

ESPAÇO FERNANDO BECK | 28 DE ABRIL A 02 DE JUNHO DE 2016

Nos trabalhos da fase Corpos e Partes, intitulada como neofeminista pelo crítico de arte Gaudêncio Fidelis, a artista une fragmentos de corpos de manequins a peças descartadas de máquinas e equipamentos agrícolas, criando um forte contraste entre a delicadeza “feminina” dos manequins feitos com material leve e a aspereza “masculina” de partes de máquinas feitas de metal pesado. As esculturas provocam questões como gênero e feminismo, abordando por meio de uma linguagem “político-poética” a condição cultural da mulher. Ana Norogrando é formada em Desenho e Plástica pela Escola Superior de Artes Santa Cecília. Natural de Cachoeira do Sul/RS, atuou como docente na Universidade Federal de Santa Maria e no Centro Universitário Franciscano, ambos em seu estado de origem.

APRESENTAÇÃO

Tubo com cabeça, Submarino, Figura com plano e tecido, Coluna com Braços e Visor Com Figura e Tecidos, 2013-2016.

A inserção da figura humana é destaque nesta fase. A artista emprega fragmentos de corpos de manequins e peças descartadas de máquinas e equipamentos agrícolas em suas esculturas. Estas obras tratam de questões como gênero e feminismo e refletem suas sujeições e limitações culturais em uma linguagem político-poética. Esta fase é intitulada como neofeminista pelo historiador e crítico de arte Gaudêncio Fidelis. “O corpo é abordado nessas obras por meio de uma insistente supressão da integridade física, agora não mais constituída por uma carência entre suas partes, porém fragmentado de maneira definitiva e reintegradas através de procedimentos, ora em sintonia, ora em completa dissonância em sua relação com os materiais… Esses corpos de manequins perfeitos contrastam com as estruturas de ferro às quais se encontram presos ou conectados. A origem industrial de um contrasta com a de outro, promovendo um confronto de considerável efeito conceitual, que multiplica as formas como se fosse uma combinação tecnológica de caráter híbrido”.

Ana Norogrando

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