QUASE PAISAGEM

GILSON RODRIGUES

ESPAÇO FERNANDO BECK | 01 DE SETEMBRO A 13 DE OUTUBRO DE 2016

O artista apresenta um conjunto de trabalhos em que explora questões relacionadas a história da pintura e ao universo doméstico, a partir de questionamentos sobre gêneros como paisagem e natureza morta, transpassando-os. Realiza diversos tipos de operações no plano pictórico que culminam com a criação de um espaço fictício. Gilson Rodrigues é formado em Pintura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais e em Artes Visuais pela Universidade Estadual de Minas Gerais, vive e trabalha em Belo Horizonte/MG.

APRESENTAÇÃO

Exposição Quase Paisagem, Gilson Rodrigues. O artista apresenta um trabalho de gabinete de colecionador de estampas no qual a natureza se insere insidiosa, como uma força destrutiva que não pode ser evitada. Uma arte de ruínas que nos adverte sobre o supremo artifício de seu fazer. Massas sólidas e chapadas de cor densa e opaca e empastes grumosos de cores vibrantes alternam entre delicadas campinas, sobre relva viçosa, nos céus de azuis líquidos.
Há uma ausência, porém, que se adivinha além das visões que o artista nos oferece e que, talvez, seja o verdadeiro assunto destas pinturas. Nas imagens que perambulam estão os campos e os rios, os céus e as árvores, as mudas, os vasos e as flores, um casal de proprietários sem rosto, as xícaras e os talheres … Mas onde estão os armários, os móveis, onde está a casa?
A palavra nostalgia, estado de tristeza causado pela distância do lar, foi criada pelo médico suíço J.J. Harder, em 1678. A nostalgia é um sentimento de perda e deslocamento, é a saudade de um lugar que não mais existe ou que nunca existiu. A imagem da nostalgia, afirma Svetlana Boym, constitui-se como uma superposição de duas imagens: o solo natal e o estrangeiro, o passado e o presente, o sonho e a vida cotidiana.
Ao intentar conjugar essas imagens em uma, a moldura explode e os fragmentos se espalham. Gilson Rodrigues nos oferece, nos seus trabalhos, o instante da dispersão.

Maria Angélica Melendi

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PARTITURAS

MARCELINO PEIXOTO E LUIS ARNALDO

ESPAÇO FERNANDO BECK | 20 DE OUTUBRO A 24 DE NOVEMBRO DE 2016

Fusão entre desenho e ação, executada a quatro mãos ao longo de 12 sessões de 2 a 3 horas cada, a série acompanha um vídeo-performance preparado para ouvir o ato de desenhar. Marcelino Peixoto é formado em Pintura e mestre em Artes Visuais. Professor de Desenho do curso de Artes Plásticas da Escola Guignard e integrante do coletivo Xepa. Luis Arnaldo é graduado em Arquitetura e Urbanismo pela universidade Federal de Minas Gerais e em Artes Plásticas pela Universidade Estadual de Minas Gerais. Ambos atuam em Belo Horizonte/MG.

APRESENTAÇÃO

Desenho de Tempo #2, 2h00’, 2015. Desenho, lápis grafite sobre papel. 100x150cm. Fonte: Luis Arnaldo e Marcelino Peixoto. Desenhos são fatos documentais. Diante deles somos convocados a refazer os atos do desenhista, em gestos e intensidades, tornando presente, então, o corpo, o tempo e a matéria necessários à sua construção. Trata-se de uma espécie de carta com andamento, que por localizar as ações no tempo constitui-se de um espaço.
Os suportes dos desenhos que compõem a exposição podem, por exemplo, apresentar as sujidades das mãos e braços impregnados de pó de grafite que sobre eles se arrastaram; ou as linhas que servem a delimitação das manchas tonais; ou mesmo a mancha monotonal que, solta no branco do papel, sem seus pares, nada representa. Em todos estes delitos o que vemos são restos. Algo que se mostra responsável por evidenciar um evento passado.
Parece inevitável então pensarmos em cada desenho como um Acontecimento: um encadeamento de ações, uma única ação repentina, ou mesmo uma ação que se arrasta indeterminadamente. Nele, cada novo ato resulta em um novo resíduo que cumpre o papel de rearranjar o espaço, conferindo-lhe especificidade de lugar.
Cada um dos desenhos que compõem a série Desenho de tempo foi executado a quatro mãos numa sessão de trabalho, com durações pré-determinadas. A demarcação temporal de cada sessão e sua súbita interrupção são responsáveis por deixá-los inacabados. O que, se por um lado, aponta para um esfacelamento da representação, por outro permite a visualização de tudo aquilo que serviu à construção da imagem, contribuindo à restituição do Acontecimento.
Em Pequenas audições, restituir os atos, reencená-los, é um modo de tornar presente aquilo que é latente em um desenho. É, num primeiro passo e no mínimo, contemplar a importância do Acontecimento para a construção de um lugar, e de sua condição de existência para o Desenho.

Marcelino Peixoto e Luis Arnaldo.

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JOVENS ARTISTAS: ARTE CONTEMPORÂNEA EM SANTA CATARINA

DOS DESVIOS E DO DESVER

FRAN FAVERO, GABI BRESOLA, GIOVANA WERUTSKY, JOANA AMARANTE, JOÃO LAZARO, JONATHAN HOLDORF, LETÍCIA RECH, MANUELA VALLS, MARIA LUIZA SUMIENSKI, MARIANA BERTA, PATRÍCIA GALELLI, PRISCILA COSTA OLIVEIRA, RACHEL LIMA, RAFAEL NUNES, RICARDO SOMMER, RODRIGO BORN E SEBASTIÃO G. BRANCO, ANA MONARI E DIANA CHIODELLI, JAN M., ISADORA STÄHELIN, ANA GALLAS, LEANDRO SERPA, SARAH URIARTEE SUSANO CORREIA.

CURADORIA DE ALEXANDRE SEQUEIRA, GABRIELA CAETANO D’AMOREIRA, LUCILA HORN E RAQUEL STOLF.

ESPAÇO FERNANDO BECK | 12 DE ABRIL A 11 DE MAIO DE 2018

A exposição, resultado de projeto contemplado pelo prêmio Elisabete Anderle 2017, reúne obras de 26 artistas de até 35 anos que atuam no cenário da arte contemporânea no Estado, com o objetivo de ampliar a inserção de artistas jovens no sistema e nos espaços culturais catarinenses, nacionais e internacionais. Instalação virtual, impressão gráfica, fotografia, fotomontagem, colagem, objeto artístico, pintura em óleo sobre tela, aquarela, nanquim, gravura, performance/instalação, vídeo, livro de artista e bordado integram a mostra, que também passa pelas cidades de Joinville, Lages e Chapecó.

* Título completo da obra de Joana Amarante: 1.Não dormi, 2.Sonhei com dragões, tormentas, voos rasantes e dragões, 3.Sonhei com tanques de guerra, bares e mensagens cifradas, 4.Sonhei com viagens, atrasos e dias retirados do calendário, 5.Sonhei comigo, 6.Sonhei que me perdia de novo no meio de mulheres monstros, 7.Voltei a sonhar com dragões, 2017. Fotografia, 33x33cm cada.

** Título completo da obra de Patrícia Galelli: Um livro é uma carne falsa I – um livro é uma carne falsa, Um livro é uma carne falsa II – motor de desenhar escrita, Um livro é uma carne falsa III – leitor de vitrine, 2018. Nanquim sobre papel vegetal e liquid paper, 29,7x21cm.

APRESENTAÇÃO

Exposição Jovens Artistas: Arte Contemporânea em Santa Catarina | dos desvios e do desver. Exposição Jovens Artistas: Arte Contemporânea em Santa Catarina | dos desvios e do desver. Pois minha imaginação não tem estrada.
E eu não gosto mesmo da estrada. Gosto do desvio e do desver.
Manoel de Barros A exposição apresenta trabalhos que atravessam contextos heterogêneos, que estremecem questões e flexões. O que resta, o que rastreia e o que incide, o que se apaga e se acende, quase ao mesmo tempo. O que (se) fisga e pulsa, das cidades, dos corpos, das falas e entre-falas, dos trajetos, dos jardins, das opacidades, dos intervalos, das tentativas, dos vultos e dos mapas. Entre desver e desvios, estremece alguma procura, alguma escuta e inflexão.
Dos desvios e do desver é uma exposição que permite um encontro de muitos temas e reflexões. Do jogo político atual, das questões de gênero, da sempre atual relação entre texto e imagem, dos assuntos da cidade, de outras flexões e psicologias existentes em nossa sociedade. De tudo aquilo que é atual e vivo. Como uma possibilidade de o público perceber suas próprias inquietações e de estar em um espaço para se (re)pensar o momento atual que vivemos. Seja através dos desvios que a imagem oferece, ou do desver de tudo aquilo que já é visto.
Uma das buscas constantes de todo(a) artista está em tatear em torno de uma intenção de (re)significar o mundo. Cabe o desafio de vislumbrar e articular uma gama de gestos que, quando reunidos, apresentam entre si diferenças capazes de nos libertar do senso comum da representação a qual, por vezes, estamos submetidos. Desse modo, assim que a imagem se revela e se confirma como ela própria, nos fornece de maneira irrecusável a feição e os contornos de um universo de sentidos.
No contexto dos desvios e do desver é concebível a arte como posicionamento político, questionadora de valores pré-estabelecidos. Dimensão assumida não na concepção de uma “arte engajada” como a dos anos 1960, mas como uma atitude poética necessária no momento recente. Postura que, na jovem arte contemporânea catarinense constitui-se como resistência aos poderes e padrões instituídos e/ou nos processos de encontro com o outro e consigo mesmo.

Alexandre Sequeira, Gabriela Caetano D’Amoreira, Lucila Horn e Raquel Stolf | Curadoria

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CORPOS VINCULANTES

SÉRGIO CANFIELD

CURADORIA DE ROSÂNGELA CHEREM

TODOS OS ESPAÇOS | DE 01 DE DEZEMBRO DE 2018 A 09 DE FEVEREIRO DE 2019

Mais de 200 trabalhos do artista ocupam os espaços da Fundação, onde se distribuem seus desenhos, pinturas, escritos, vídeos, fotografias, objetos e instalações divididos por tema/suporte/técnica. No Espaço Fernando Beck (Galeria), encontram-se retratos/corpos figurativos ou alusivos realizados em telas, pranchetas e cartolinas. No Espaço Paulo Gaiad (Biblioteca) estão expostos seus livros de artista, desenhos, notas e esboços, além de um vídeo. Já no Espaço Oficina (Laboratório) estantes e mesas expõe uma coleção de estranhas peças-lascas-órgãos. Entre um ambiente e outro há implementos-apetrechos, compostos por textos, ornamentos e objetos inoperantes. A maior parte dos trabalhos é inédita e pertencem ao acervo particular do artista. Sérgio Canfield nasceu no Paraná e hoje vive em Jaraguá do Sul. É artista e médico-cirurgião.

APRESENTAÇÃO

Exposição Corpos Vinculantes, de Sérgio Canfield. Exposição Corpos Vinculantes, de Sérgio Canfield.

Sérgio Canfield (Paranaguá, PR-1958) conta ter sido um menino que colecionava figurinhas e acumulava objetos que lhe pareciam peculiares, fazendo experimentos sem muitos interditos morais. Formou-se em medicina pela UFPR e especializou-se em cirurgia geral nos mesmos anos 80 em que desenvolveu um fazer artístico autodidata, passando a exercer suas atividades profissionais e a se apresentar em exposições coletivas e individuais entre PR e SC, concomitantemente. Seus desenhos, pinturas, escritos, vídeos, fotografias, objetos e instalações contêm entendimentos retirados de episódios testemunhados, protagonizados, percebidos e/ou lembrados. Buscando uma incansável experimentação, recusa o conforto do mero domínio técnico e privilegia um estado de protótipo ou esboço, onde o imperfeito e o incompleto se destacam. Entre os principais gestos que persistem em sua obra, estão os relacionados a cortar, amarrar, espremer, suspender, espetar, torcer, reverter. Há também uma compulsão pelos rascunhos e anotações, onde registra o comportamento humano com seus transtornos e peculiaridades. A partir de tais recursos o artista interroga a vida, a materialidade dos corpos e o destino dos mortais. Sobretudo, considera as diferentes camadas que vinculam os humanos às coisas e aos animais. Reconhecendo em cada forma e estrutura um corpo vinculante, relaciona o orgânico ao inorgânico, através de uma obstinada e proliferante criação de objetos- seres oriundos de materiais reaproveitados e metamorfoseados. A presente exposição ocupa todos os espaços da FUNDAÇÃO CULTURAL BADESC. No piso térreo encontra-se a GALERIA, onde são apresentados retratos figurativos ou alusivos, através de pinturas em tela, cartolina e prancheta, contrapostos a cabeças- anêmonas- medusas, feitas com fitas de VHS usadas em exames de laparoscopia. No piso superior encontra-se a BIBLIOTECA, cujos livros de artista estão dispostos em prateleiras com escritos e desenhos em estado de notas preliminares e contumazes, além de um vídeo com a foto de um corpo humano imóvel, sobreposto por um inseto agonizante. Em outra sala do segundo piso, encontra-se o LABORATÓRIO, em cujas estantes e mesas estão as naturezas- mortas com toda sorte de artificialias, tais como remédios vencidos, objetos desatualizados, êmbolos, toy art e conservas, compondo um conjunto inusitado e perturbador. Relacionando e complementando estes ambientes, pelas varandas, hall e corredores, além do jardim, encontram-se os implementos- apetrechos, compostos por textos, ornamentos e objetos inoperantes.

Rosângela Cherem | Curadora

CATÁLOGO DA EXPOSIÇÃO

A exposição reverberou na edição e publicação de catálogo organizado por Rosângela Cherem e Eneléo Alcides, disponível ao clicar na imagem acima.

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OBSCENA

IAM CAMPIGOTTO

Artistas colaboradores: Mathias Reis, Clélia Mello, Octavian Fedorovici, Izabel Garcia, Cláudia Cardenas, Rafael Schlichting e Wash Dellacqua.

ESPAÇO FERNANDO BECK | 08 DE JUNHO A 13 DE JULHO DE 2017

Executado em colaboração com outros artistas, o corpo do artista é oferecido como leitura na investigação de diversos processos de registros, em still e em movimento, que permitem questionar a fluidez entre performance, fotografia e audiovisual. Iam Campigotto é formado em Artes Visuais pela Universidade do Estado de Santa Catarina. Natural de São Paulo/SP, vive e trabalha em Florianópolis/SC.

APRESENTAÇÃO

Paisagem I, 2012. Fotografia, 60x40cm. Fonte Iam Campigotto. Paisagem II, 2012. Fotografia, 60x40cm. Fonte Iam Campigotto.

Entre a performance, o acaso e o registro, Obscena traz à cena o que estava escondido – o corpo exposto do artista, para além e aquém de rótulos, arquétipos e estereótipos. No contorno compartilhado entre arte e vida, imagens fotográficas e audiovisuais potencializam e perturbam a experiência sensória e reflexiva do público visitante. As imagens sonoras e visuais cartografam ações – acontecimentos, ecopoéticas e micropolíticas; capturadas e projetadas em diferentes suportes e dispositivos. Corpografia que traz à cena uma estética da existência.

Iam Campigotto

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FOTOGRAFIA: SEUS SISTEMAS HÍBRIDOS E FRONTEIRIÇOS

BIENAL INTERNACIONAL DE CURITIBA | POLO SC

ANA SABIÁ • ANDRESSA ARGENTA • AUDRIAN CASSANELLI • CHEYENNE LUGE • CLARA FERNANDES • CLAUDIA ZIMMER • COLETIVO TOCA • DANIELE ZACARÃO • DIANA CHIODELLI • DUDA DESROSIERS • FABÍOLA SCARANTO • FERNANDO WEBER • FRANZOI • HENRY GOULART • IAM CAMPIGOTTO • IEDA TOPANOTTI • ILCA BARCELLOS • JANAÍNA CORÁ • JOANA AMARANTE • KARINA SEGANTINI • KIM COIMBRA • LETÍCIA CARDOSO • LILIAN BARBON • LU RENATA • LUCIANA PETRELLI • LUCILA HORN • MARINA MOROS • MARTA MARTINS • NEUSA MILANEZ • TIROTTI • RAMÓN MORO RODRÍGUEZ • ROSANA BORTOLIN • SANDRA ALVES • SANDRA CORREIA FAVERO • SARAH URIARTE • SONIA LOREN • YARA GUASQUE

CURADORIA DE FRANCINE GOUDEL, JULIANA CRISPE E SANDRA MAKOWIECKY

ESPAÇO FERNANDO BECK | 05 DE OUTUBRO A 23 DE NOVEMBRO DE 2017

A exposição integra a Bienal de Curitiba’17, criando pela primeira vez um polo em Santa Catarina, juntamente com o Museu da Escola Catarinense, o qual apresenta paralelamente a mostra “Antípodas Contemporâneas”. A parceria entre as Instituições é um ponto importante a ser destacado. Compõe uma das metas da Fundação com o escopo de ampliar e fortalecer o circuito. A aposta na fotografia enquanto recorte curatorial também está em consonância com o destaque que a linguagem vem conquistando na cena atual. Nesta mostra, a fotografia está pensada de forma ampla, apresentada por alguns dos artistas em diálogo com objetos, esculturas, performances.

APRESENTAÇÃO

A seleção de obras e artistas nesta mostra parte do texto curatorial de Ticio Escobar e do subtítulo desta Bienal, “Excesso de imagem”, que faz referência ao fenômeno contemporâneo da pós-fotografia. A produção de imagens digitais é hoje superior à capacidade de sua recepção e uso. A visão é confrontada com um excesso de informação visual que ultrapassa sua capacidade de assimilação. Esta situação é enfrentada pela arte contemporânea através de várias estratégias que superam o meio fotográfico convencional e exigem soluções para além da fotografia – o que poderia ser qualificado como “fotografia expandida”, atravessada por diferentes técnicas e baseada em reforços conceituais variados. A ideia de diversidade, outro ponto central desta Bienal, é reforçada através da vinculação de zonas e situações opostas que coincidem sem arriscar suas respectivas diferenças. Considera a diversidade das expressões, tendências e linguagem, que possibilita a articulação da fotografia com processos amplos, de composição, conceito, imagem.
Na mostra da Fundação Cultural Badesc, partindo desta ideia, convidamos 37 artistas catarinenses ou com produção em Santa Catarina, que desenvolvem em sua produção, como linguagem ou base de princípio do processo, a fotografia. As articulações que aqui idealizamos pretendem pensar a fotografia através de seu potencial conceitual, expressivo, crítico e poético, onde o medo de contaminar a pureza formal da imagem se perde e o trabalho se converte em um meio de expressão contingente. Nesta mostra as obras configuram estes territórios híbridos e fronteiriços da fotografia, que com seu excesso de imagem proporcionam a reflexão dos temas aqui suscitados.

Francine Goudel, Juliana Crispe e Sandra Makowiecky | Curadoria

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