DIA DA MARMOTA

LUCIANA KNABBEN

ESPAÇO FERNANDO BECK | 5 DE ABRIL A 18 DE MAIO DE 2012

O título da exposição faz referência ao filme Feitiço do tempo, onde o personagem acorda sempre no mesmo dia e é obrigado a vivenciar tudo novamente. É nesse tempo cíclico que a artista encontra um novo olhar para trazer à tona sutilezas e fragilidades humanas em situações pictóricas. Tecidos e fitas transparentes sobrepostos são utilizados por Luciana Knabben para compor as “pinturas” da exposição Dia da Marmota, onde a artista usa campos de cor, subvertendo o suporte clássico dos quadros e aplicando a obra diretamente ao branco das paredes do espaço da exposição. Nascida em Blumenau, Luciana Knabben vive e trabalha em Balneário Camboriú. Doutoranda em Teoria e História da Arte, na Universidade do Estado de Santa Catarina. Mestre em Teoria e História da Arte, na Universidade do Estado de Santa Catarina (2015). Pós-graduada em Linguagens Visuais Contemporâneas, na Universidade do Estado de Santa Catarina, Florianópolis/ SC (2003). Formada em Bacharelado em Pintura e Gravura na Universidade do Estado de Santa Catarina, Florianópolis/SC (2006). Formada em Arquitetura e Urbanismo na Universidade Federal de Santa Catarina, Florianópolis/SC (2001). É artista visual, curadora e professora.

APRESENTAÇÃO

Hoje sem amanhã nem ontem: eis o dia da marmota! Prisioneira do mesmo lugar, a travessia do inverno é variável. Um esquilo vidente anunciará quanto tempo por aqui ou lá.

Ao meio dia, ela visita lojas de artigos carnavalescos no Rio de Janeiro, traz pedaços de lá para cá. Movimenta-os com delicadeza e agilidade, amarrando fitas e sobrepondo tecidos ao investigar situações pictóricas com precisão entre alfinetes, agulhas e recortes.

Fim da tarde, ele descansa na parede e ela espera. Luciana inventa, com paciência, o destino do trabalho, desvia o olhar para o cotidiano e, incorpora a parede do espaço expositivo. Há uma instabilidade nas pinturas que se seguram entre nós e dependem do branco da parede, mas esta aparente precaridade é rastro de velocidade, urgência de vida, antes que anoiteça. Presente! Alguém sonhou ou ninguém despertou.

Boa Noite, Dia da Marmota!

Letícia Cardoso

A exposição reverberou na edição e publicação de catálogo, disponível ao clicar na imagem acima.

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MAR DE DENTRO

LELA MARTORANO

ESPAÇO FERNANDO BECK | 24 DE MAIO A 22 DE JANEIRO DE 2012

Composta por imagens fotográficas e por vídeo-objetos, a exposição trata da relação entre memória e fotografia, lugar e público, tempo e espaços, passado e futuro. Na mostra, a lembrança do mar é o fio que conduz a construção das obras, partindo da sobreposição ou projeção de imagens coletadas de arquivos familiares. Assim, as experiências da memória afetiva atribuem à matéria um novo significado. A exposição Mar de Dentro fez parte do projeto Olhos D’Água, patrocinado pelo Fundo Estadual de Incentivo à Cultura.

À DERIVA

“A objetiva é um instrumento como o lápis ou o pincel; a fotografia é um procedimento como o desenho e a gravura, porque o que faz o artista é o sentimento e não o procedimento.”
Figuier, La Photographie au Salon de 1859.

Uma fatia de tempo é encontrada por Lela Martorano nos arquivos fotográficos de sua família. A artista descobre, no olhar do pai, imagens que captaram a luz de um instante. Na memória, algumas cenas na praia lembram os élans de uma temporada. E era através do olhar, ainda que distante, que seu pai participava das cenas. Olavo Vieira fotografava em slides numa época em que poucos encaravam o universo fotográfico. Longe das facilidades da tecnologia digital, a fotografia analógica exigia dedicação; era preciso confiança para apertar o botão de disparo, uma vez que o filme tinha suas poses contadas. Hoje a relação com a fotografia foi transformada pela comodidade do “delete”. A memória digital tornou-se um hábito que muitas vezes anula a própria vivência, refém de um gesto viciado. Observa Vilém Flusser que muitas pessoas não sabem mais olhar a não ser através do aparelho 1. Diante da capacidade sedutora de captar o instante sem pensar na composição da imagem, faz-se necessário enxergar as armadilhas da câmera digital no uso do cotidiano. Flusser adverte que “o aparelho propõe um jogo estruturalmente complexo, mas funcionalmente simples. É fácil aprender suas regras, difícil é jogá-lo bem.” 2 Saber fotografar consiste em evitar o gesto automático e impaciente do impulso amador. Lela Martorano utiliza a tecnologia digital com um pensamento analógico. Consciente dos riscos da linguagem, se apropria dos slides do pai e elabora um jogo de imagens compondo uma nova fotografia.

No processo, projeta os slides marcados pelo tempo sobre muros desgastados e antigos cartões postais estabelecendo uma nova imagem a partir dessa fusão. A exposição Mar de Dentro apresenta algumas obras criadas em uma residência feita no Museu de Arte Moderna da ilha de Chiloé (Chile, 2011). Lela Martorano resgata a memória da cidade e interfere com sua memória pessoal, procedimento que já havia utilizado na exposição Deslumbramientos na cidade de Granada (Espanha, 2009). “As fotos transformam o passado no objeto de um olhar afetuoso” 3, observa Susan Sontag. A intimidade de um momento em família é somado ao afeto com a cidade. Assim, a projeção do tempo incide sobre o espaço. Sontag ainda percebe que “por meio de fotos, cada família constrói uma crônica visual de si mesma – um conjunto portátil de imagens que dá testemunho da sua coesão”. As fotografias que escolhe no entanto, não são retratos senão cenas descontraídas que revelam a espontaneidade do momento. A presença do mar reforça a intensidade da imagem. Para Gaston Bachelard, a água é um elemento transitório, corre sempre, cai sempre; “anônima sabe todos os segredos. A mesma lembrança sai de todas as fontes.” Há profundidade em cada gota, basta lembrar a densidade do aplastamiento de las gotas, de Julio Cortazar. Em Castro Chiloé) existe o mar interior que deu o título da exposição. Parece então que esse interior das águas traz a sensação de um tempo vivido. Na dimensão nostálgica de uma gota, as imagens carregam lembranças passageiras.

No caso dos vídeo-objetos também apresentados nesta exposição, um conjunto de imagens fixas é iluminado por uma única imagem em movimento. O que se move é o mar sobre as crianças que outrora brincavam na praia. O reflexo da luz na água possibilita a percepção do movimento. O vídeo funciona como uma imagem de fundo que banha a cena estática; uma película que envolve a paisagem fotográfica. A claridade da água permite a travessia do olhar. Assim a memória da infância torna-se ainda mais distante, como se tivesse um filtro entre o olhar e a fotografia. Em Mar de Dentro, Lela Martorano trata água feito luz e vice-versa. Sejam projetadas ou no vídeo, a fluidez e a transparência das imagens interferem nas fotografias com suaves vibrações; captam o tempo, efêmero, entre a luminosidade das águas e as paisagens de luz. A palavra fotografia deriva do grego: φωτογραφία a partir de φως (fos) + ραφή (grafí), ou seja, escritura de luz. Lela Martorano desenha na luz as transparências do tempo. Christine Buci-Glucksmann nota que o efêmero parece surgir em todas as diferenças, brilhos, reflexos e cintilações do visível, como o lado escondido de uma luz imanente 4. Assim, o efêmero se desenvolve entre a presença e a ausência.

Desta maneira, a escolha do pôster lambe-lambe para apresentar as fotografias demarca também o caráter efêmero. O termo lambe-lambe, além de referir-se à pequena caixa preta usada pelos fotógrafos no início do século XX, é também um pôster de papel colado diretamente em muros e postes de rua, usado em geral para fins publicitários. Ao optar por esse suporte, a artista desloca a estética urbana para dentro do espaço expositivo. As fotografias se desfazem devido à fragilidade do papel empregado. Dentro da galeria, o papel é protegido das intempéries, mas não deixa de apresentar seu aspecto quebradiço, desaparecendo em um tempo mais lento. Em outros momentos, porém, a artista também leva o trabalho às ruas, confundindo-o entre os cartazes publicitários. Existe um constante movimento de deslocamentos, que transforma cada etapa do processo criativo. Um trabalho de pós-produção em que a artista se apropria de uma imagem já produzida para realizar outra. A foto do arquivo aparece no muro, migra para outra fotografia e volta para outro muro. Os desvios da cena e deslocamentos de suporte estabelecem um incessante fluxo de memórias. Nesse mar de dentro, as águas evocam imagens longínquas de um tempo suspenso. Percebe Heráclito, “é morte, para as almas, o tornar-se água.” Nas imagens de Lela Martorano, as lembranças são resgatadas nas sutilezas de um olhar afetuoso e se desfazem lentamente à deriva de um tempo reencontrado.

Lucila Vilela

[1] Cfr. FLUSSER, Vilém. Filosofi a da caixa preta. Rio de Janeiro: Relume Dumará, 2002, p. 54
[2] Ibid.
[3] SONTAG, Susan. Sobre fotografi a. São Paulo: Companhia das Letras, 2004, p.86
[4] BUCI-GLUCKSMANN, Christine. Estética de lo efímero. Madrid: Arena Libros, 2006, p. 31
[5] BACHELARD, Gaston. A Água e os Sonhos. São Paulo: Martins Fontes, 2002, p.59

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ONDE EXISTE AZUL…

ADRIANE HERNANDEZ

ESPAÇO FERNANDO BECK | 09 DE SETEMBRO A 21 DE OUTUBRO DE 2011

Adriane Hernandez utiliza a toalha xadrez azul na exposição Onde existe azul… como um elemento que remete a memórias pessoais. As obras fazem parte da série Impregnações com a toalha de mesa e servem a inúmeros jogos de construção e desconstrução dos significados. A artista é natural de Porto Alegre (RS), doutora em Poéticas Visuais pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS) e professora da Universidade Federal de Pelotas (UFPel).

APRESENTAÇÃO

Exposição Onde existe azul, de Adriane Hernandez.

Trabalhadas com recurso técnicos, próprios à época em que vivemos – fotografia e tratamento digital da imagem – as fotografias de Adriane Hernandez traem a linguagem tradicional desse médium, produzem configurações pictóricas que se inscrevem em uma filiação direta da obra de Magritte e reverberam com produções contemporâneas que destabilizam percepções ordinárias das coisas e do mundo.

Podemos identificar em seu trabalho, o alinhamento com questões caras ao Surrealismo; questões que supõem desligamentos entre sujeito, imagem e representação. Também situa confluências entre as categoriais de performance do objeto, da fotografia e da pintura, mas através de enigmas visais: é sobretudo uma certa qualidade de silêncio que as evocam.

Ut poiesis pictura. A pintura vem do espírito, assim como a poesia.

Estas obras, que a artista apresenta na exposição agenciam detalhes de um mundo composto a partir de migalhas e encoberto por fragmentos. Pequenos retalhos de tecido quadriculado azul e branco, encobrem o rosto de um personagem enigmático. O mesmo tecido recobre elementos heterogêneos, tais como as peças de um quebra-cabeça e um par de sapatos, salpica na imagem de pés e de uma sombrinha transparente. Noutro quadro, pontos azuis se espalham sobre a imagem e seu suporte como se fossem flocos de neve. Miolos de pão flutuam sobre um plano azul como se fossem nuvens no céu. (O “Pão” e a “Toalha de Mesa”, signos recorrentes na iconografia da artista desde sua produção decorrente da pesquisa que desenvolveu na tese de doutorado).

Cada elemento que compõe as imagens está estrategicamente solto no espaço do quadro, colocando em suspenso qualquer relação espaço-tempo.

A justaposição entre os elementos extraídos do cotidiano doméstico, e feminino, são cuidadosamente agenciados para evocar uma inquietante estranheza.

Sim, é possível que não sejamos capazes de compreender, ou seja, de pensar e exprimir com conceitos o que a artista nos dá a ver. Não importa, porque uma das funções da arte é devolver em imagens aquilo que perdemos, ou que não conseguimos formular, da realidade.

Sandra Rey

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MADEIRAME

EGIDIO ROCCI

CURADORIA DE FERNANDO BOPPRÉ

ESPAÇO FERNANDO BECK | 05 DE MAIO A 1º DE JULHO DE 2011

O artista plástico Egidio Rocci estabelece caminhos para questões ligadas ao equilibro e à memória ao usar como material de trabalho armários no estilo provençal, destituídos das portas e laterais, reduzidos à sua estrutura básica. A série Madeirame é composta de cinco obras. São quatro junções de armários e uma instalação. A exposição é realizadas basicamente com móveis da década de 50 e 60. Há uma identificação entre a madeira das obras e o piso do casarão, entre os frontões ds armários e as colunas espiraladas que dividem as salas do espaços Fernando Beck da FCBadesc.

APRESENTAÇÃO

Exposição Madeirame, de Egidio Rocci. “para chegar ao pouco
em que umas poucas coisas
revelem-se, compactas,
recortadas e todas, e chegar entre as poucas
à coisa coisa e ao miolo
dessa coisa, onde fica
seu esqueleto ou caroço”

(João Cabral de Melo Neto)

Em tempos de alvenaria, é o madeirame quem sustenta uma construção. Nos trabalhos de Egidio Rocci persiste o que há de estrutural em um objeto: subtrai-se excesso, eliminam-se funções. Eis que surge um objeto novo que pode ser composto junto a outro semelhante ou completamente distinto dele mesmo. A ação do artista, contudo, mantém um respeito profundo em relação ao objeto: ainda que o reduza ao mínimo, é possível continuar a nomeá-lo pelo nome de origem (mesmo que a funcionalidade tenha sido descartada). Aquilo que é tomado por princípio material – por exemplo, um armário – atravessa uma crise intensa: lance embaraçoso, tensão, conflito. O gesto é sempre preciso: a operação de se extrair poesia dos objetos já existentes no mundo se alastra pelas obras desta exposição. Nelas, há sempre um disparate: seus móveis e objetos improváveis produzem inquietação. Ao observarmos, por exemplo, um criado-mudo sobreposto à estrutura de um armário, parece haver qualquer coisa de assombro no silêncio da entrega deste móvel mutante diante de nossos olhos.

Fernando Boppré | Curador

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